Marie-Hélène Parant

c o n t a c t : m h p a r a n t @ g m a i l . c o m

Photo ©MHParant




L'environnement interactif de Fluxus∞
Le Droit, 14 novembre 2015
Maud Cucchi


Digital Cornerville: Technische Leidenschaft und musikalische Vergemeinschaftung in New York, by Michael Liegl, p.10-11


Amadouer la technicité, Catalogue Traverse Vidéo 2008 p.120-121, auteure Simone Dompeyre

Migrating reality, Passages, article of John K Grande

Montreal Gazette, June 30, 2007 2:29 AM by Adam Kinner

La Presse, Arts et spectacles, samedi, 6 décembre 2003,

"Effusion de sens" - Catalogue Festival Traverse Video - février 2003

Progrès-Dimanche, Cahier B, 19 Septembre 1999 - B11



Radio-Canada, Au delà de la 401 (radio)

Radio-Canada, Bande à part (radio & web)

Radio-Canada, Le Navire Night (radio)


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Migrating reality
Published on Balsas
Passages, June 02 2008
John K Grande

Marie-Hélène Parant’s Le Corridor (2008) involves the architecture of body and space. Sited in the corridor of a centuries old Toulouse edifice, the piece responds to the movement of visitors' bodies in space. There is an illusionary re-configurative visual poetic sensibility to Parant’s intervention. The body becomes a paint brush, that generates "patch waves". Using Sketch-In technology designed by Parant, this adaptive method of light transferral is particularly effective for performance events and happenings. Sketch-In responds to moving physical objects, and people. Inverting light and body motion, (as information), Sketch-In generates refractive patches of light. Parant's kaleidoscopic and multi-faceted performative visuals capture a point of passage, and this can be the body's passage at a particular point in time and space.

Le Corridor is a place of passage as well. Literally comprising empty space within which the light effects of Sketch-In fill that space with visuals, the medium is the body. But not the body you see, but the body that is in real time moving through this space. The body moves through this space on it way from, and to, somewhere else. And as indefinite place the corridor is neither an endpoint nor a point of departure. Sited in such a place Le Corridor captures a transitional and relativistic construct for what reality is or can potentially represent. Parant does this by engendering ephemeral, moving imagery, but these colour patches, or swathes play out, and fan out, so we sense the original bodily form, but it displaces, becomes a generalized element. The imagery has its point of reference is real time, real life people who pass in front of, and evoke a response from video sensors, This light sensitive visual information is then fed to a projector that relocates the imagery. The changing patch waves, based in local available colour, with light as a medium of transformation and inversion, are but one element in the event. The spectacle or theatre of Le Corridor is in the transfiguration of space, and this involves a dialectics of space.

As an approach to artmaking Parant's is more like an endless spiral or cycle of related but continually changing visual phrases Parant's aesthetic involves a dynamic that is site sensitive, but invokes a consideration of the visible and invisible, of inner and outer realities or dimensions. These questions are left open, never answered... This forest of images, sometimes in motion, othertimes static for an instant, involves colour areas of opening and closure, that are body-related, and the sensory elaboration has an experiential and very visual meditative effect on the viewer or participant (who could be both). Light refracts from a stained glass window on the wall of this corridor. This older static form of light refraction, designed for the original building, now has this additional layer of patch wave patterns that projects over and onto it. The visual admixture is very human, involves dualities of absence and presence. The surprising interplay of plastic and spatial projection embodies Parant's adaptive, performative and mostly mutable immaterial artform.

L'Immortelle (1995-2001) an earlier installation piece by Parant, integrates a series of floor placed video monitors into a dried earthen environment that conjures up a sensibility that this is an ancient place, or representation thereof. We feel like visitors to this environment, as if what we see is only for the moment, even if the site seems eternal. We "read" the ever changing imagery on the screens. The elements passing on the screens range from primordial - fire, stone, water - to corporeal - the body, the face. This is a poetic, partly hidden, partly visible world. There is something of the spirit of Marcel Duchamp's last work, Etant Donnes (1946-66), to Parant's approach to the art as process. Duchamp rendered his artwork only visible through a peephole, as of that which contained the art were a body itself, and that had a woman in a Technicolor landscape displayed within. With Parant's l'Immortelle we wonder... are we looking into the afterlife, or are these secrets from a hidden world. One of the images are evocative contiguity to the images. They all share something in common - from screen to screen. Eventually the flow and flux in the imagery begins to read as if the images themselves were water, a river of images, flowing through, disappearing.

Temporal and ephemeral l'Immortelle constructs an archaeology of the moment, with the earth as a physical metaphorical body within which the video elements appear, as if they were continuously flowing, largely unobserved - a river of images. The art awakens this sense of a hidden world, one we are a part of, whether we like it or not. The power of myth exists in the details of this piece. Is this a tragedy? The details direct us to questions of mortality, and are fragments of some larger story we all share, cannot define adequately, are aware of at some point within ourselves.

With another piece title Menacé (1997), Marie-Hélène Parant achieves an ecstatic sensuality, and this, with images that never fully reveal what exactly is there, or can be seen. One of her most significant works Les Venus (1999) involved the recreation of ancient paleolithic artforms, that recall the Venus of Willendorf for their universal symbology. The images were created using live models covered with earth, who were then photographed. The results are edifying for they look like actual artworks from ancient times, and yet are based in reality. The scope is broad, for we gather a sense of the link between real life - the body - in both ancient and contemporary contexts. The photo-scanned images of these very sculptural body forms. When exhibited, they were presented in a circular arrangement as if one were entering into a series of sacred spaces, or temples of images.

Looking at the photos, we have no sense of their specific cultural origin, though they look like they could have originated with some ancient world civilization. The bodies are kneeling, bending, splayed, stretched, contemplative or in motion. Textures are bold, shiny, earthy, and look ancient. The unifying aspect to Parant's Venus project is that what looks generalized becomes a universal metaphor. While these are ultimately sensual, sexual, eternal images, and look as ancient as ancient art, and as contemporary as art today, it is the viewer who brings a potential meaning to them. The filter these works pass through is that of our worldview, the paradigm of our internal learned, perceptual and genetic constructs. Venus, as an installation, is a statement. Parant makes us aware of the way we encode, attribute meanings to render them symbolic, or hierarchic, through the act of presentation.

What strikes one is the metaphoric, evocative potential of Marie-Helene Parant's ongoing arts production. Her works are situational and very visual. We find some of the roots to Marie-Hélène Parant’s approach to artmaking in performance art. Though her art involves the temporal nature of space and site
as a venue for art, her collaborations and solo events carry some sense of the social and natural origins of art as a cultural mimetic and universal act.

- John K. Grande

Writer and art critic John Grande's reviews and feature articles have been published extensively in Artforum, Vice Versa, Sculpture, Art Papers, British Journal of Photography, La revue Espace, Public Art
Review, Landscape Architecture, Ceramics Monthly, Photoicon, Art On Paper, Vie des Arts and Circa (Ireland).

The author of Intertwining: Landscape, Technology, Issues, Artists  (Black Rose Books, 1998), Art Nature Dialogues (SUNY Press, New York, 2004), Dialogues in Diversity: Art from Marginal to Mainstream (Pari Publishing, Italy, 2007), John Grande's Art Allsorts; Writings on Art and Artists will
be published by Go If Press in 2008.


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The Gazette
Published Saturday, June 30, 2007 2:29 AM
by Adam Kinner

L'Off Again: Pierre Labbé

Saxophonist Pierre Labbé's show at O Patro Vys helped to prove that the other jazz festival that happens each year in Montreal--that is, L'Off Festival de Jazz de Montreal--is sure source of excellent homegrown music.
Aside from a cast of Montreal's best young improvisors, the success of the show was in large part due to video artist Marie-Hélène Parant, whose fascinating live video sampling was projected at the back of the stage.
By taking digital feed from a number of photographers offstage, Parant manipulated videos of the performing musicians so that they took on an animated, ethereal quality.
Sometimes I am adverse to these sorts of multimedia extravaganzas. I find that many times collaborations between the various artistic disciplines more often than not produce a dumbed-down result. And yet, in this case, just the opposite was true. Labbé's compositions are fierce, energetic and strong, and the free-improvised material was inventive and relentlessly creative. Place that alongside a video-artist who is highly skilled and not overly concerned with a parallel narrative to the music and the show is nearly over-stimulating in its magic.
So the result was bigger than the sum of its parts. Maybe it's that the visual--like that provided by Parant--can get an audience to think along narrative lines. William Forsythe, a choreographer, once told a group of students that all an artist needs to do is suggest a narrative without actually using one. A hint of narrative will get an audience thinking, and this is exactly what you want; but an actual narrative, adhered to like a fly on flypaper, can be stifling.
The collaboration tonight between Parant and Labbé offered the perfect hint of visual and musical narrative in the context mostly improvised content. A real feat for the Off Festival.

-Adam Kinner


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La Presse
Arts et spectacles, samedi, 6 décembre 2003,
Critique Danse
Brody, Stéphanie

La boule de cristal de Michèle Rioux

La chorégraphe montréalaise Michèle Rioux réunit dans Time Out un magnifique groupe de danseurs et de
comédiens-bougeurs, soit les danseurs Anne Bruce Falconer, Karsten Kroll, Maya Ostrofsky, Isabelle Poirier et Catherine Lalonde, ainsi que le comédien et metteur en scène Martin Faucher et les comédiens Geneviève Rioux et Guy Trifiro.

L'oeuvre se décline en une suite de solos, à la fois amusants et intenses, qui s'enlacent les uns dans les autres à la manière d'une chaîne. Règle générale, chacun interprète entre en scène juste au moment où le solo d'un autre danseur se termine, s'entremêle quelque temps avec son collègue, avant de se retrouver seul en piste.

Bien que Time Out porte en elle cette idée de transmission et de contact entre les corps, l'oeuvre est d'une facture des plus éclatées, progressant par soubresauts. La cadence est ainsi morcelée, s'arrêtant parfois nette pour repartir de plus belle, passant de la langueur absolue à une énergie nerveuse et vive en un quart de tour.

Mais ce qui donne à l'oeuvre toute sa saveur, ce sont vraiment les suaves projections vidéo, conçues par Marie-Hélène Parant et manipulées en direct par Michèle Rioux elle-même, qui viennent se superposer en quasi permanence aux danseurs en mouvement. Chaque corps se trouve donc en quelque sort enchâssé au coeur d'images mouvantes et chatoyantes qui sont projetées en une sensuelle forme sphérique aux allures de boule de cristal, tant en fond de scène que simultanément au sol, au centre du plancher. Parfois, l'ombre d'un corps capté en direct, viendra se superposer au kaléidoscope de couleurs et de textures, tel un fantôme. Parfois les couches sont tellement nombreuses qu'elle provoque une surcharge des sens chez le spectateur.

Malgré quelques temps morts et quelques détours moins
intéressants, Time Out est une oeuvre sinueuse et badine qui amuse autant le spectateur qu'elle le séduit.


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"Effusion de sens" - Catalogue Festival Traverse Video - février 2003

"Le sens, c'est aussi celui du temps qui dure, linéaire ou suspendu... Pour L'Immortelle de Marie-Hélène Parant un corps allongé défile doucement et à l'infini sur trois écrans couchés, émergeant d'une terre craquelée, fossilisée, mais que le spectateur ne peut observer qu'en plongeant son regard à la verticale. Un corps méconnaissable, parcouru de feuillages, pierrailles et autres motifs, changeant subrepticement mais sans arrêt..."


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Progrès-Dimanche, Cahier B, 19 Septembre 1999 - B11
par Denise Pelletier

Marie-Hélène Parant au CNE

Une expérience très sensuelle

L'exposition "Génésis Hybrida - Les Vénus" de Marie-Hélène Parant, propose au visiteur une expérience sensorielle et sensuelle fort intéressante. Dans la salle du Centre National d'Exposition plongés dans la pénombre, des panneaux verticaux sont suspendus au plafond et touchent presque le sol. Sur chacun d'eux une image : une forme qui semble faite de métal, bronze ou or : elle réfléchit la lumière et semble sortir littéralement du fond de la toile, qui est noir.

Ces images représentent de façon transposée les statuettes de Vénus de la période paléolithique, comme on pourrait en retrouver sur des sites archéologiques. Mais elles ont été traitées par la photographie et l'infographie. I'artiste les a recomposées de façon à donner à chacune une structure binaire.

Le visiteur se promène donc, en un parcours circulaire qui ressemble à celui d'une procession rituelle, à l'intérieur de ces panneaux disposés en cercles, comme dans un temple, un temple érigé en hommage à la féminité, au corps.

L'atmosphère et les images créent une impression de mystère, et la visite devient une cérémonie, un rite qui oblige à regarder directement des images et à reconnaitre les aspects du corps si souvent occultés dans notre société : fragilité, mystère, proximité de la vie et de la mort, ramifications troubles de l'inconscient. Les idées soudain mises en lumière par l'éclat métallique des formes touchent à des sujets qui demeurent tabous malgré la surexposition médiatique du corps féminin : les replis obscurs et secrets où se côtoient le plaisir et la douleur, I'érotisme et l'enfantement, eux-mêmes dissimulés dans les lieux les moins fréquentés de l'imaginaire collectif.

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Radio-Canada, Émission > Première Chaîne > Au delà de la 401

Entrevue, animatrice Sylvie-Anne Jeanson

28 septembre 2007 - Performances interactives

Installations vidéos, expositions, sculptures, performances , il y aura une grande variété artistiques présentée au cours de la Nuit blanche. Je vous rappelle que c'est demain, samedi, de 19:03 jusqu'à l'aube dimanche. Parmi les projets cette année, l'installation multimédia Share Labo présentée par les artistes torontois de Le Labo et des artistes montréalais du groupe Share. Marie-Hélène Parant fait partit de Share, elle est spécialiste des installation interactive.



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Radio-Canada > Bande à part > 13 février 2006

Entrevue sur SHARE @ la Nuit Blanche 2006
avec Yuani Fragata

Bande à part


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Radio-Canada, Émission > Le Navire Night > 12.10.03

En conversation > Sophie Laurent rencontre Maxime de la Rochefoucauld et la vidéaste Marie-Hélène Parant à propos de LUMKI, une performance kinémusicale en forme de transe. Avec les Automates Ki de Maxime de la Rochefoucauld.
LUMKI est présenté les vendredis et samedi : 10 et 11 octobre; 17 et 18 octobre; 24 et 25 octobre; 31 octobre 2003 à 21h. Nombre de places limité. Réservations : (514) 273-2040. Écoutez l'extrait audio >>>


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Amadouer la technicité, Catalogue Traverse Vidéo 2008,
auteure Simone Dompeyre

      Cacher la liste du matériel nécessaire ou au contraire l’exhiber… revenir à ce  alloué heureusement au Méliès héritier de Houdin et si malencontreusement répétés à l’envi pour le cinéma qui n’y résout pas: la magie.

Ou plutôt un cache-cache à divers niveaux et ce dès le nom donné, et non seulement donner les informations.

En effet le bilinguisme canadien de Marie Hélène Parant donne d’emblée à ce travail, sa propre version de lecture, quand il se plait à l’hapax  «  sketch –in », pour le Français, ce terme prend des allures de jeu de sport mais simultanément il emprunterait à un type  de spectacle de parole, et de corps, court : le sketch, que l’on peut parfois remplacer par « saynète » et que l’on connote souvent de comique, Plus encore, pour cela,  cette désignation entraîne encore  le Français  à se remémorer  ce type de films qui fleurit dans les années soixante et soixante dix, très précisément avec la comédie italienne triomphante et qui engageait, pour une oeuvre collective, autour d’une thématique- souvent la femme, l’amour et souvent adultère- plusieurs cinéastes souvent connus au milieu desquels parfois le nouveau réalisateur à faire découvrir. S’y attendaient le succès sans risque financier mais aussi la déclinaison du cinéma et de ses manières de faire. Parfois ce paramètre induisit un cinéaste seul à cette segmentation ainsi Woody Allen pour Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe sans jamais oser le demander ; au titre suffisamment programmatique pour se passer de glose.

      Pourtant la proposition de MHP est loin de répondre à cette désignation ;  s’impose pour comprendre le projet de revenir à la traduction « esquisse » ou comme le réclame Marie Hélène « croquis » même si la main n’y est pas, là, à saisir le mouvement. Et même surtout si ces «  sketch-in »  n’ont rien du brouillon, de la forme vite lancée lors d’un travail préparatoire. Cela se fait se faisant mais sans manque.

En effet, dans la poursuite de cet exercice de langue, se glisse une autre piste ; le « in » prépositionnel, le « dans » est entendu par notre oreille habituée aux formes en « ing » anglo-américaines et elle attend un en train de se faire. Et cette paronomase impromptue rassemble le propos de l’installation, voire corrige ce terme générique d’installation dans ce qu’il aurait de position arrêtée- s’installer.

En effet, l’installation du premier ordre- puisque désormais cette forme d’occupation de l’espace d’exposition s’avère le Modèle de tant de formes artistiques-  gère deux registres d’approches et de préoccupation, l’image en mouvement et l’objet, le sculpté, le socle, l’environnement stabilisateurs.

Cela arrêté autour, dans lequel on s’aventure intègre cela qui file, fuit, se déroule dans la boucle vidéo plus rarement cinématographique à cause- le plus souvent- des questions de fragilité de la pellicule.

L’installation implique que le corps soit penséE, que la pensée déambule, que la pensée marche.

Qu’en est-il de ce sketch -in qui réclame la machine et la cache, qui réclame le calcul long de l’artiste et le cache ?  Qui n’est que par la co-naissance du lieu de l’artiste, par l’artiste. Sa rencontre avec le lieu dont résulte l’écho artistique.

       Il faut d’abord accepter d’oublier cette technologie même si ces termes flirtent parfois avec le poétique de la sortie Firewire aux lumens attendus…

L’artiste doit se faire humble au lieu accueillant … s’adapter à l’esprit de l’espace.

       A Bellegarde, un couloir - même si celui-ci conduit vers l’extérieur- un corridor ; il donne le nom de cette déclinaison de l’œuvre déjà montrée, jamais montrée, puisque précisément adhérant au lieu. Puisque in situ, l’idée déjà est repartie vers Berlin, avant Lisbonne mais toujours déjà une autre.

        Or ce couloir ne mène plus nulle part, du moins ne s’ouvre pas à la géographie du Centre, il attire à cette image que les machines informatiques génèrent.

Selon une programmation/ encore la polysémie- que MH Parant a conçue.

      Avançant vers le fond du couloir, on entend les bruits alentours ou le silence selon le moment de cette intrusion... ce qui engage des manières diverses de rapprochements avec « ce » qui a lieu alors face au corps avançant.

Ainsi  et par ailleurs, la langue joue encore, que fait-on étymologiquement dans un corridor, on court. J’y ai vu courir, reculer, avancer en biais, moduler le pas, esquisser un pas de danse.

Car sur l‘écran qui occulte la parte de sortie, des images se fondent ; elles s’ « agissent ». Formes iconiques ou abstraction très colorée se remplacent ou se superposent et parfois le rien, l’attente du retour de l’image.

Lorsque enfin, poussé(e) par la répétition des couleurs mouvantes, on s’y prête ou plus délibérément s’y donne, la silhouette personnelle s’y distingue…selon les postures, la gestuelle, et leur rapidité ou leur lenteur.

S’y lit aussi un autre composite, le lieu d’origine qui lui-même mixte architecture nouvelle et trace du passé puisque ont été gardés de cet hôtel particulier du XIXe siècle, petit château à tour au centre même de la ville, des sols pavés, des tapisseries de tissu aux murs et des vitraux à certaines de ses baies.

        A travers cette invention là, l’espace devient et vous êtes aussi vous et l’autre en « esquisse/ esquive » puisque traversé (e) par l’héraldique de la fenêtre reprise, la mosaïque du pavé entremêlée.

Vous êtes corps agissant et image agissante du corps ; vous êtes l’acteur et la capture par la caméra, vous déclenchez des propositions, les propositions programmées vous engagent à leur répondre. Le «  jeu » du sketch, le ludique du jeu, mais sans histoire(s). On pourrait  cependant non seulement se plaire à lancer de telles informations nourrissant la machine, mais poursuivre et encore, et encore pris(e) dans ce temps réel et sans tache/ tâche ardue jusqu’à en être aspiré(e) tant la brillance, la joyeuseté rayonnent… et le plaisir de laisser jouer le corps en un lieu policé, organisé.

Revanche le Corridor  ne se fait pas applaudissement programmé au champion informatique, intelligemment il sait que le sans dire ouvre plus largement un espace au(x) sens.

Revanche sur la machine, elle ne produit qu’avec l’humain. Mais cela nous le savions, MH le prouve sereinement en cachant son travail de création de l’image calculée mais dans la poétique de l’inattendu à savoir le corps signifiant.

                           Simone Dompeyre avril 2008

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24 Feb 2012
Montréal (Québec), le 24 février 2012– Quebecor est fière de s’associer pour une troisième année consécutive à Art Souterrain, événement artistique et culturel incontournable à Montréal, à titre de commanditaire majeur.
En plus d’offrir une contribution monétaire et une campagne promotionnelle à l’événement dans ses médias, Quebecor a voulu, cette année encore, participer à Art Souterrain en exposant à son siège social une œuvre vidéo interactive et originale signée Marie-Hélène Parant.
Cette exposition vient par ailleurs se joindre à l’œuvre gagnante du Concours d’art de Quebecor, intituléeGéométrie Variable, de la photographe Josée Pedneault, récemment dévoilée et installée dans le hall d’entrée du siège social de l’entreprise.  
«Nous avons la chance de disposer d’un espace que nous souhaitons consacrer aux expositions d’artistes québécois. Il est important pour nous d’encourager les talents d’ici et de contribuer à les faire connaître, de même qu’à rendre plus accessibles les différentes formes d’art visuel, comme nous l’avons fait avec notre récent concours ainsi qu’avec l’acquisition de quatre microchromies du peintre Fernand Leduc », a déclaré Pierre Karl Péladeau, président et chef de la direction de Quebecor.
L’univers de Transit
Marie-Hélène Parant, artiste en arts visuels et médiatiques, a conçu Transit comme un monde d'évanescence et d'errance où se modulent des formes picturales et sonores organiques, qui s’animent  et se renouvellent  en fonction des mouvements du               « spectateur », tout en demeurant essentiellement troubles.
Le parcours de Marie-Hélène Parant est marqué au sceau de l’éclectisme, alliant l'intermédia et l'hybridation de genres artistiques tels que musique, danse et performances. Intéressée par l’intervention artistique de type « happening », sa carrière en arts visuels enchaîne peinture mixe médias, photo, performance, et installation. Son intérêt pour les médias électroniques et numériques l’incitera à développer, dès 2003, un système de programmation en interactivité vidéo, appelé Sketch-In, qu'elle utilise dans ses performances ou ses installations interactives.
Ses œuvres vidéo, installations et performances interactives ont par ailleurs été présentées dans divers événements internationaux, en Europe (WÖRM, iMAL, Club Transmediale, VidéoFormes, Traverse Vidéo), en Chine (INIAF 809), au Canada (HTMlles, InTheMix, OFF Festival de Jazz, Société des arts technologiques, ChampLibre, Festival du Nouveau cinéma, Galerie de l'UQAM, Galerie du Musée du Québec, ISEA 95), au Maroc (Festival Art Vidéo de Casablanca) et à New York (Optosonic Tea, Experimental Intermedia, Share NY et ArtSpace Galery). Elle a également reçu des prix et bourses du Québec, du Canada, de l'Italie et de la Finlande.
Depuis 2005, elle coordonne SHARE MTL, qu'elle a fondé avec les artistes Jean-Ambroise Vesac et Katherine Liberovskaya, une communauté artistique qui organise des soirées de création libre en arts numériques.